L'été indien

”Singulier protagoniste que celui qui croit encore aux écrans à cristaux liquides comme source de bonheur. De ce loser aveuglé, Alain Raoust livre une contemplation concise. La créativité de la mise en scène renie soigneusement le tape-à-l’oeil : la précision du point de vue l’emporte sur les zooms formalistes. Frappante, la franche sauvagerie des paysages alpins de ‘L’Eté indien’ est un contrepoint saisissant à une foi absurde, apparemment lamentable et beaucoup plus civilisée, celle du consumérisme. L’absurdité des diktats commerciaux du bonheur n’est que plus cinglante dans les hauteurs cosmiques de la montagne.

Dans l’interprétation colossale de Johan Leysen, le consumérisme touche à l’intime. Sa foi a priori pathétique s’élève au rang de dignité blessée tant elle traduit l’état de besoin de tout être humain. La rugosité du personnage est plaisante ; crédible, elle reste symptomatique d’une frustration significative et non d’une dureté apprêtée de Parrain. On trouve beaucoup de cinéma dans cette oeuvre épurée et pudique, pétrie d’images et non de creuses paraphrases. ‘L’Eté indien’, par le biais de l’échec, nourrit une réflexion sur la véritable définition de la réussite. Incontestablement, c’en est une.”

”Alain Raoust parvient à démêler les fils de la complexité humaine en réalisant un film qui dit quelque chose des hommes dans un monde où l'image du bonheur vendu sur papier glacé froisse les âmes sensibles jusqu'à parfois commettre l'irréparable.”

”On a l’habitude de souligner l’importance de la rencontre d’un metteur en scène et d’un acteur. Celle d’Alain Raoust et de Johan Leysen est remarquable, elle a inventé René. René est mieux qu’un personnage de cinéma, c’est un homme, ausculté par la caméra subtile du réalisateur. (…) Filmer un corps c’est trouver la distance, comme en boxe, et dans cet exercice, Alain Raoust frappe juste.

Dès le début du film, on sent chez René une cassure qu’il ne peut réparer. (…) Le cinéma a souvent montré le broyage social des hommes, ici, l’ennemi vient de l’intérieur, c’est le vide, la béance et la culpabilité. René ne peut rien changer, rien modifier, rien recommencer. Ça lui échappe, comme sa fille lui échappe pour mener sa vie qui n’appartient qu’à elle. Il est jaloux, cette jeune femme en cache une autre, disparue. Avec la lettre, le passé refait surface c’est le retour du refoulé. La caméra commence alors à coller à son acteur, comme la dépression englue le personnage à la poursuite de ses fantômes. René parle par bribes, en pointillé, la parole libérée est aiguisée par la solitude. (…) La montagne est l’énorme caisse de résonance de son malaise. De temps à autre, il va dans une minuscule caravane qui contient encore des traces d’intimité. C’est là qu’il libérera sa fille du fardeau de son secret.

Une grande force du film vient de sa similitude avec son personnage. On tourne autour de lui comme il tourne autour de son vide intérieur. La mise en scène ne cherche pas à remplir ce vide, mais au contraire à l’agrandir pour nous y faire descendre et sentir avec le personnage. Plus on descend, plus ça paraît vaste et dévasté, plus la montagne est imposante, jusqu’à la scène de chasse. Au bout de son canon, René tient la silhouette d’un chamois sur une crête. Ils sont égaux dans le silence, le chamois avec sa montagne, René avec sa solitude.”